INTERVISTA: IRENE GHIOTTO

Il cambiamento di Irene artista è sicuramente connesso al cambiamento di Irene come persona. Da una parte ho cercato di rendermi indipendente – a livello pratico, emotivo, tecnico – registrandomi, producendo io stessa i miei brani. È un’indipendenza anche dalle cose che mi influenzano: quello che ascolto e che mi piace mi entra infatti dentro in modo quasi inconsapevole, e lo ritrovo a volte in quello che faccio. Pertanto il lavoro che ho fatto è mettere a fuoco con maggior impegno la mia identità e singolarità. Tutto quello che faccio – nel bene e nel male – nasce da me, senza che debba render conto a nessuno. Devo però aggiungere che questa esigenza di indipendenza non è solo istintiva, è stata un po’ anche ragionata. Avere un’identità può essere la conseguenza di due processi: o si è talmente liberi, vulnerabili, esposti da essere se stessi per definizione, oppure questo processo passa attraverso un lavoro sul proprio linguaggio. Quello che io ho fatto è stato anche studiare, imparando dai grandi maestri, cosa significhi definire un linguaggio che sia originale.

Facendo così, si è esposti. Se sbagli, sbagli davanti a tutti. Più rischi, più se ti va male sprofondi. Ma avendo una sola vita, che altro avrei potuto fare, se non rischiare? Fa parte del nostro lavoro.

Senz’altro di rappresentare la propria verità, quindi focalizzarsi sì sui contenuti, ma senza preoccuparsi di non averne. I giovani non sanno di cosa devono parlare. I riflettori devono essere puntati all’interno, sulla persona. Il canto deve essere emersione di una verità personale, viceversa è solo dare fiato alla bocca. Il consiglio che do, soprattutto ai cantanti esecutori, è quello di scrollarsi di dosso le sovrastrutture imitative, perché a volte non ci rendiamo conto che quello che ci piace ce lo attacchiamo addosso e poi lo andiamo a replicare, finendo per cantare con la voce di qualcun altro. Essendo un’insegnante di canto, presto molta attenzione alle caratteristiche fisiche della voce: come funziona la laringe, le corde vocali, qual è il proprio suono personale, la propria respirazione… Ma se si insegna solo quello, si crea una generazione di mostri inutili, cioè di gente bravissima che non esprime nulla. Quello che cerco di fare nella mia scuola è creare una rete, dove si canta, si creano concetti, si suona musica dal vivo, si capisce come funziona la produzione musicale, l’armonia, cercando anche di trasmettere una sensibilità all’ascolto, della musica ma anche di se stessi. La mia volontà era quella di creare una scuola dove non si fa solo pratica e si impara la tecnica, ma si conosce e ci si approccia alla musica anche col cuore: spero vivamente di esserci riuscita. Di fatto, è come se vivessi due vite: quella della performer e quella dell’insegnante. Ci sono molte scuole di musica, e quasi si abusa del concetto che si debba imparare prima di suonare. Io stessa a quindici anni in sala prove suonavo senza in realtà uno scopo preciso; ho capito solo dopo cosa dovevo fare. Quindi non è detto che essere inseriti in una scuola sia per forza annichilente, e che l’insegnamento prevalga sull’istinto. A volte si riesce a fare entrambe le cose.

Senz’altro per la produzione. Pop simpatico è un disco di sole voci e strumenti acustici (chitarra acustica e pianoforte, principalmente). È un disco molto asciutto e di colori pastello, anche se comunque la scrittura rimane sempre un calcio nelle palle. SuperFluo invece rappresenta una giocosità, una costruzione ritmica e una spinta musicale che è molto più accesa, tant’è che c’è la batteria, gli ottoni che gridano e la chitarra elettrica. È un disco sicuramente un po’ più rock. L’energia che si crea non è solamente una produzione della mia mente, ma un prodotto che deriva dal suonare insieme ad altri: avevo proprio l’esigenza di ritrovarmi – come a quindici anni – in sala prove per suonare, sudare e, come si suol, dire, fare schifo. In altre parole, posso dire che principalmente, è cambiato lo spirito.